Un nouvel objet en fabrication pour 2012

 Mousse musicale et chorégraphique pour kinect, compositeur et danseuses.

19-23 mars 2012: « l’entre de l’entre»
° résidence fondation Royaumont, une semaine compositeur/chorégraphe.

avril: « l’entre de l’entre»
° continuation du projet.

mai, juin: « Entre »
° répétitions

août: « Entre » + « l’entre de l’entre »
° résidence de création, Micadase, Paris  août.

septembre ou octobre : « l’entre de l’entre »
° 1 au 7 septembre résidence de création, une semaine Fondation Royaumont.
° première  Saison musicale, samedi 8 septembre à 17h30.

Projet initié dans le cursus Transforme:
«Se prolonger»
sous la direction de Myriam Gourfink et Kasper T.Toeplitz.

Du côté du compositeur

Concept

“Entre” is a work-in-progress by composer Brahim Kerkour and choreographer Thierry Lafont exploring intersections between sound and movement, and aimed at dissolving the boundaries between music and dance.  Initiated by a mutual fascination with the notion of instruments as resonating bodies, and music as a movement of sound in space and time, we began to envisage the possibility of using a dancer’s body as musical material.  As a first step, we explored various physical gestures that evoked sound in the imagination of the viewer, and organized them into a compositional discourse.  Later, we began investigating the scenic relationship between the composer/musician and dancer, and the impact it had on performance interactivity.  In response to those reflections, we began developing the idea of a motion-tracking environment for controlling live-electronics in order to dispense with the traditional physical staging barriers that traditionally exist between musician and dancer, and to further fuse them into a single entity.

How can the presence of two dancers and one composer/musician on stage melt into a trio performing in between composition and choreography?  How is that achieved through their interaction with the motion-tracking interface and with each other, through the content and implications of their physical gestures, and through the content and implications of the music they’re performing?

Interface

The motion-tracking interface we are designing involves a hacked Microsoft Xbox 360 Kinect camera with MaxMsp.  Released in November 2010, the Kinect captures video data in 3-dimensions, making it possible to calculate depth rate for separate RGB data streams, and widening the options for audio control through physical gesture.  We believe there is an enormous potential for developing a robust and adaptable motion-tracking environment with this camera.  Our current design relies on Jean-Marc Pelletier’s “freenect” beta object for MaxMsp, and while we anticipate its stability to increase with future versions, we are interested in exploring skeletal tracking, as well as the SoftVNS software.

While motion-tracking interfaces for musical purposes have existed since the 1980’s, their recent development has centered on triggering sonic events at predetermined points in space (similar to pressing an invisible midi keyboard or drum pad suspended in space).  Our research focuses on developing the capability of using dynamic movements to transform sound, opening the possibility of a sound world based purely on transformations of color, motion, weight, and behavior.  This also raises numerous implications about the intentions and implications of movement.

We believe it is imperative that technological interfaces serve and augment the artistic intentions of a project, and not the other way around.  Therefore, it is our hope that the presence of an interface dissolves during the experience of the project.  Part of that process includes masking the operation and limitation of the interface.  Furthermore, the novelty of a one-to-one mirrored relationship between sound and movement in a motion-tracking environment wears off over time, emphasizing the necessity of sustaining mystery and intrigue over how and whom is producing, operating, and transforming sound throughout the performance.

Dance towards sound, Music towards movement:

What type of interaction with the interface will dissolve the lines between musician and dance, as well as sound and movement?  Three performers, made up of two dancers and one composer/musician, are positioned on a horizontal axis in front of the motion-tracking interface and interact with the live-electronics in varying degrees.  The composer, sitting directly in front of the interface, is assigned a greater share of direct control over sonic transformations.  Although the performance begins with the two dancers performing outside of camera’s field of view (and therefore not directly interacting with the live-electronic transformations), it is our intention to keep this fact hidden from the audience in order to introduce a sense of ambiguity over who is controlling what.  As the piece unfolds, the dancers gradually move backwards, towards the camera’s field of view, and therefore gradually gain direct control over the musical transformations.  The composer introduces physical movements that aren’t tracked by the interface, and therefore have no sonic result, in order to maintain the ambiguity introduced at the outset of the piece.  Therefore, the physical movements of all three performers are both directly controlling the live-electronics and participating in obscuring the interface operation.

The interactivity taking place between the performers, however, is of greater consequence to the musical result.  The gestures and temporalities of the dancers’ movements inform and influence the composer/musician’s movement, which in turn affect the music.  Although the dancers’ are outside the camera’s field of view, they still act as a catalyst for musical transformation.  Additionally, the manner in which the music is transformed influences the performers’ temporal, spatial, and sonic choices.  In that sense, every physical action has a sonic consequence, and vise-versa.  The cycle of interactivity that emerges from movement becoming music, and sound becoming dance, ultimately blurs the divisions between musician and dancer and magnifies the space between music and dance.

Perception:

The electronic sound consists of two noise objects that are filtered and processed to generate a wide and continually mobile foam-like sound mass.  Spatial alterations of amplitude, filtering, distortion, and frequency shifting produce continual transformations of color, weight, and wave currents.  The piece opens with a continuous flow of vibrating waves, and evolves (or devolves) towards loops of mechanical pulsations.  Diffused at an extremely high volume, the music not only behaves as an organism moving in space, but acts as an agent of movement as well; unifying performer and audience in a collective corporal resonance.

All physical gestures performed on stage, whether in or out of the interface’s view, behave as layers within the musical fabric.  The sonic content of these physical gestures exist purely in the imagination of the audience, and are intended to create the illusion of sound when mixed (orchestrated) with the acousmatic sounds.  As with any aesthetic experience, the listener is an integral part of the creative process.  A work is not only projected through their personal subjectivity, but their imagination participates in the composition of the artistic object as well.  In an era of oversaturated information, the active and creative process of perception is increasingly being supplanted by a passive consumption of noise.  Our approach is an attempt to reclaim the imagination’s role in perception, to amplify the awareness of self and place.

Du côté du chorégraphe
Entre

Pour déplacer les fonctionnements chorégraphiques institués,
déconstruire ce qui est acquis,
ouvrir un espace de recherche,
rester fidèle à sa nature : créer un échange de regard constant pour ne pas figer une posture de chorégraphe.
Alors  se poser la question de l’entre,
voir de s’en servir comme filtre.

L’ acte chorégraphique comme travail de construction en gigogne de « l’entre » :

-  Entre soi : cet entre soi pourrait se définir comme ce moment de passage,
ou cet espace de passage entre le corps , celui de tous les jours
et celui qui commence à devenir corps de la danse.
Cet entre deux comme un moment de changement de conscience,
d’attention à soi, une autre orientation du soi.
On ne perd pas l’un pour trouver l’autre,
non simplement un consensus se tisse entre les deux pour que puisse émerger un espace                     d’être ensemble.
Le corps de la danse doit devenir un tout : une matière,
un lieu : d’action, de pensée, de repos, de construction, d’observation, un poids,
des sensations,
un outil au sens noble du terme, le foyer de tous les possibles.
Ainsi faire de ce corps le lieu potentiel de la transgression, en cela il va au-delà de la donnée   corporelle de base, mais aussi des limites des données anatomiques, biologiques, physiologiques et utilitaires du corps. Le corps du danseur n’est pas seulement le corps physique et anatomique de la médecine, ni le corps propre de la phénoménologie.
Tout se joue dans la transformation de l’espace et du temps de ce qui lui est proposé en un tout organique qui reste enraciné dans ce corps qui existe en dehors de la danse.

-  Entre deux (si l’on prend  comme définition que danser est un acte d’accumulation d’un geste puis de l’autre, une textualité à dire, un ensemble de mot qui se prononce) : se pose alors pour ce corps de la danse,     cet entre soit, l’espace de l’entre deux gestes. Il faut être présent au premier, sans oublier qu’il conduit au     deuxième. Cependant l’un ne doit pas grignoter l’autre, pas d’anticipation  qui rendrait impossible le passage du un à deux. Il faut travailler à la sensation à l’identité des deux, connaître son début, sa nature et sa fin, pour pouvoir envisager l’espace minime de cet entre pour investir un espace de l’entre deux ce lien qui permettra à ces deux gestes de dialoguer d’être syntaxe.

- Entre trois : Se mettre en tant que chorégraphique et dansant, dans les mains d’un compositeur, devenir un matériel musical. Se laisser habiller par des imaginaires de gestes qui correspondent à dans son pour Brahim. Devenir pulsations, turbulences, virages, sons mécaniques, accepter que le corps devienne ce tissu musical. Se mettre à l’écoute de cette nouvelle sensation corporelle, s’imaginer instrument qui s’imprègne de cette partition sonore, se l’approprier, la mettre en corps, sentir sa texture, chorégraphiquement l’incarner,     l’inscrire dans  la chair. Puis la remettre enjeu sous le regard du compositeur. Cet entre trois place au coeur du processus la part imaginaire de l’écoute, oblige le danseur à sortir du corps de la danse.

- Entre multiple: Nous avons tracé un bord, un cadre, une aire circulaire, lieu de questionnement, de découverte pour approcher d’autres relations musique/danse. Lieu qui en rien n’a pour fonction  d’enfermer     ou de focaliser une chose à voir, mais plus nous offrir des possibilités de  «  à travers » : Passage.
« Ensuite parce que cette simplicité joue constamment sur un rapport entre deux choses au moins, deux choses qui se contredisent et se co-pénètrent. Toujours l’œuvre se place aux bords…C’est que le lieu cherché devient, non une idée, mais l’expérience sensible, temporalisée d’un regard des bords.
Tracer un bord, un cadre, ne revient pas toujours à enfermer ou focaliser une chose à voir… Le cadre est le lieu d’un rite de passage…Alors se rejoignent l’être, le bâtir et l’habiter…Et le rassemblement humain. »

Passage où se risquer ensemble compositeur/chorégraphe/danseuse. Commencer à trouver un Ici, lieu,     endroit où commencer à parler, à faire connaissance, indicateur de temps pour marquer le point de départ ; pour tenter un Là-bas : un ailleurs, glisser à quelque distance, pas loin. Ensemble, entre ce ici et ce là-bas, inscrire une Oscillation : ce léger  balancement, ce mouvement de va et vient du corps, des corps entre eux, des sons, de part et d’autre d’un point central : celui de l’axe de recherche. Vaciller constamment d’un intérieur : le parcours du son, la pensée du musical, la sensation corporelle du danseur ; et un extérieur : ce qui l’entoure, ce qui permet l’inscription du trajet, du corps dans l’espace, la sensation d’un territoire à partager, une perception temporelle, ses composantes physiques, mobiles, figées qui lui donne une nature, laisse percevoir une mousse sonore. Ensemble se laisser propager : entrer en extension avec son corpus langage, élargir son axe de vision par des rapprochements avec l’autre corpus, et prolonger ses sensations par ces moments de confusion entre son corporel et corps sonore. Etre contaminer : comme se fondre ensemble, pour envisager une collusion : accord secret; connivence.

De là,  placer notre collaboration :
dans une relation, non hiérarchique, où les places sont en confusion: les corps des danseuses fantasmes sonores, images-bruits, le corps du compositeur danseur de sa musique.
dans relation une spatiale intuitive, présence du compositeur et des danseuses dans une intimité visible, palpable, en dilatation.
essayer d’envisager autrement cette dualité musique/danse dans un territoire de porosité, polymorphe.
Prendre appui ailleurs, anatomiquement et musicalement.

Extension: Une caméra, qui devient le réceptacle de cette recherche de porosité, qui sera en fonction des corps et de leurs mouvements, qu’ils soient danseuses ou compositeur, la prolongation sonore réelle, une corporalité de l’entre tous.

Ensemble pour trouver un(e) extrême/mité : ce qui est placé à la limite d’une région de l’espace celui d’une collaboration danse/musique.

« L’entre-deux est une forme de coupure-lien entre deux termes, à ceci près que l’espace de la coupure et celui du lien sont plus vastes qu’on ne croit ; et que chacune des deux identités a toujours déjà  partie liée avec l’autre. Il n’y a pas de no man’s land entre les deux, il n’y a pas un seul bord qui départage, il y a deux bords mais qui se touchent ou qui sont tels que les flux circulent entre eux. De sorte que le simple trait de la différence apparaît lui-même comme un entre-deux minimal, exigeant d’être repris sur un mode plus générique, plutôt que cerné dans sa pure acuité. Bref la différence apparaît comme un entre-deux trop mince, elle coupe là où c’est la coupure même qui ouvre l’espace d’un nouveau lien, elle fixe d’un trait l’écart là où le vif de l’expérience a lieu au coeur de cet écart qu’elle bouleverse. »

- «Entre»
tout simplement,
proposera une réalité musicale et chorégraphique à absorber,
« qui dans sa présence sera débarassée des ingrédients habituels de ce qui constitue une présence     spectaculaire. Tout alors est à réinventer, le spectateur doit se mettre en état de travail pour faire jaillir la présence et le sens de ce qu’il venu voir/écouter. Il se met à l’oeuvre pour appréhender ce qu’il voit/  écoute pour qu’il soit maître de ce qu’il regarde/écoute.» (C.Roux)

Partager ensemble un trouble de la perception,
se faire croire voir et entendre du son,
là où il n’a y en pas,
entendre des corps  jouer du son,
toucher un fantasme musical,
une irréalité chorégraphique,
mais se sentir agiter d’une vibration corporelle et
persistante, réelle
une musique corporelle logée,
quelque part dans l’estomac.

fabrique d’objets chorégraphiques

9 rue Sous Les Augustins

63000 Clermont-Ferrand

04 73 87 35 42

06 72 80 22 77

axotolt@orange.fr

www.axotolt.com

licence entrepreneur de spectacles: 2-10384225

S.I.R.E.T.: 398 316 927 00019

- Du 10 au 19 juillet 2012 ( 17 représentations) version trotterie
Fondation Royaumont
Projet co-produit par la Fondation Royaumont et la ville d’Eragny.

° mes contemporels, berceuse chorégraphique pour la petite enfance
- vendredi 1 juin à 9h30 et 10h30
à Sauxillanges dans le cadre du Festival «Brindilles»
Projet qui a reçu une aide à la création Ministère de la Culture – Drac Auvergne

°à titrer… dispositif pour piano, mur, film, un lecteur et un danseur
- sera présenté du 26 au 30 mars
dans le cadre de la deuxième année du projet Ricochets, sur les communes de Mazayes, Chapdes-Beaufort, Maringues, Fournol et Marat.
Projet co-produit par le Regard du Cygne.

°« Entre », mousse musicale et chorégraphique
pour kinect, compositeur et danseuses.
résidence de recherche  du19 mars au 23 mars à Fondation Royaumont
résidence de création au CND , une semaine en juin
résidence de création, Micadanse à Paris mois d’août
résidence  du 1 au 8 septembre Fondation Royaumont

- le samedi 8 septembre, à 17H30 Fondation Royaumont, dans le cadre de la Saison musicale
Co-production Fondation Royaumont.

dispositif chorégraphique pour un piano, une voix, un film et un danseur.

  Concert, Chiquenaude, Chorégraphique

concert pour trois instruments: piano, violon et corps

  Jardin, par-chemins

cheminement d’exploration sensoriel pour un jardin ou extérieur

  mes contemporels

berceuse chorégraphique pour la petite enfance

   Petit! Petat!

ritournelle musicale & chorégraphique pour la petite enfance

Un projet de collaboration de trois ans :

Artistes, enfants, enseignants, et cinq territoire: Mazayes, Marat, Maringues, Fournols et Chapdes-Beaufort.

Les trois étapes du projet:
 - explorer: 2011-2012
un travail de sensibilisation autour du corps, et rencontre avec des outils chorégraphiques.
écrire: 2012 – 2013
mettre les enfants en relation avec des processus d’écriture de la danse par le biais de l’écrit.
- inscrire: 2013- 2014
engager à partir de son vécu un travail chorégraphique à partir de son territoire pour ses habitants.
Pour chaque étape, un objet chorégraphique de la compagnie sera proposé aux enfants pour mettre en relation le travail de recherche, la pratique et son aboutissement artistique.

Première étape: explorer

Une première étape avec une série de quatre ateliers de trois heures avec chaque classe.
Explorer: Un corps quotidien dans des situations simples d’actions de tous les jours, que l’on transposera dans une démarche chorégraphique.
Un corps peau, celui du geste de l’enfant face à lui-même et aux autres, tout le langage du toucher, porter, attraper, se mettre en contact avec les autres.
Un corps liquide, il s’agit d’une entrée plus abstraite, qui permet à l’imaginaire de rendre lisible des perceptions sensorielles, un début de travail sur les qualités corporelles: fluidité, relâché, suspendre, plein…
Porter ou être porté, tout un travail de confiance, se laisser aller à l’autre, prendre soin donner son poids, s’accrocher à lui, se faire soulever, tirer, transporter, apprendre le danger, se retrouver sens dessus-dessous…
Entre:
Proposer l’objet chorégraphique Petit! Petat!, un duo qui donnera à percevoir tout ce qui a été approché aux cours des ateliers. C’est aussi le moment où l’on découvre les danseurs autrement, pas tout à fait les mêmes que ceux avec qui on a dansé.
Conclure:
Sur le temps d’un atelier de trois heures avec chaque classe, s’essayer chorégraphes. Laisser les enfants choisir des problématiques chorégraphiques et accompagner, se construire sa propre danse. Et qui sait l’offrir au regard des autres enfants.

Des mots autour de cette première étape:

La continuité d’une collaboration artistique sur trois ans avec les mêmes enfants et territoires nous semble une action peu développée. C’est pour nous donner une vision nouvelle de l’apprentissage par contamination, ouverture et croisements, apprendre à faire des liens entre plusieurs disciplines. Il s’agit aussi de fédérer une équipe d’enseignants, parents et territoire autour d’un projet porté par des enfants. Sur cette durée de trois ans c’est mettre en réseau cinq écoles en partage d’une même expérience.
Au bout d’une première année où chaque classe a eu une série de cinq interventions de trois heures chacune, et deux intervenants musicienne et danseur, le projet a pris corps du côté des enfants, mais aussi du côté des enseignants. La deuxième année va donc s’amorcer sur cette base de totale investissement: nous sommes sortis du cadre de la simple initiation. Nous ne pensons pas que la valeur d’un projet artistique tienne au temps de présence de l’artiste, mais bien plus à la conception du projet, sa spécificité qui lui donne donc sa propre temporalité.
Nous sommes persuadés de la bonne ventilation de l’ensemble de Ricochet, car la pratique artistique est abordée par plusieurs point-de-vue, que ce soit celui de la danse et de la musique, celui du texte, ou de l’anthropologie. Il est important que cette présence reste exceptionnelle pour l’instant, car il y aurait erreur à occuper trop de temps scolaire, car pour l’instant la pratique artistique reste toujours présente sous forme de projet, mais n’a pas de place à proprement parlée dans les programmes scolaires, qui sont eux contraignants tant pour les instituteurs que les enfants.
L’expérience et la richesse de cette collaboration tient dans ce cheminement commun que nous avons commencer à construire tous ensemble. Le temps de la découverte pour tous est passé, nous savons que nous entrons maintenant au coeur du processus. Les parents, les municipalités et le reste des enseignants et élèves participent eux aussi à la réalisation globale, en commençant à intégrer cette autre présence artistique, commence à entrevoir que d’autres choses peuvent prendre place chez eux.
Nous sommes tous là à saisir que ce qui est fort n’est pas un nombre d’heures, ou une sommes d’informations à transmettre mais plus de se sentir pris dans un processus, car qui dit processus dit construction. Sur trois ans un enfant évolue, s’enrichit, se transforme c’est ce qui donne à Ricochet une force extraordinaire, un espace temps où l’enfant peut s’épanouir, prendre possession de tous ces outils artistiques qu’il aura rencontré.
Nous tentons aussi de témoigner à travers ce projet ce que peut être le travail en association, que «le ensemble» se met à l’oeuvre avec des différences, des discussions, des désaccords, des regards autres. Chacun des artistes se découvre aux enfants sur différents axes: artiste intervenant, artiste sur scène, artiste participant au atelier des autres artistes, artiste qui tente, cherche, se trompe.
Ce projet dès cette première année s’affirme donc non comme une découverte renouvelée et variée de  pratique artistique, mais comme un énorme laboratoire d’échange, d’expérimentations de savoirs, ou chaque participant est à même de trouver sa place.
Pour finir il ne s’agit en aucun cas de faire des enfants des artistes, mais simplement ouvrir un espace d’être autrement, un lieu pas pareil ou la différence est porteuse de sens, ou la faiblesse peut être un atout, devenir autonome, savoir qu’il y a d’autres voies pour se réaliser comme adulte, que son milieu et lieu de vie n’est pas constituant de ce que l’on peut devenir.
La thématique de cette année sera plus ambitieuse, il s’agira pour chaque enfant de travailler autour d’un solo, qui sera filmé, de laisser une trace à donner à chacun, une façon de rendre lisible, notre travail.
Il y aura aussi trois intervenants cette année:
Virginie Basset, pour la musique, que les enfants connaissent,
Francis Coulaud, un comédien, écrivain, chanteur pour un atelier écriture de textes,
et Thierry Lafont pour la danse.
A cela s’ajoutera, la présentation d’à titrer un objet qui mêle texte, musique (piano), danse et video.
Cela sera une base de recherche pour nous pour cette étape.
Voilà une étape riche avec 5 intervenants.

Ecrire…
Un scenario:
entre septembre et décembre deux ateliers danse avec un temps, entre pour que les enfants puissant travailler sans moi.
Janvier février: spectacle
Mars atelier: texte
Avril atelier musique
Mai- juin :deux ateliers: un danse et un  film.
Ce qui fait en dehors du spectacle 6 ateliers de trois heures.
En juin, on devrait avoir chaque solo filmé avec un texte, une musique. Pour faire lien avec la troisième étape, on filmera en extérieur en des lieux choisis par les enfants.
Les enfants vont être cette année en travail, autour de la construction d’une danse à eux…

Ils aborderont donc des étapes aussi varies que:
choisir un vocabulaire chorégraphique?
comment l’écrire dans le corps et sur le papier?
comment le retenir, le faire évoluer?
où le danser?
comment choisir une musique?
comment le filmer?
comment écrire sur sa danse?
Nous travaillerons une sorte d’abécédaire corporel avec des recherches: anatomiques, autour des verbes d’actions, mais aussi sur des qualités, qui permettront de constituer tout une palette de gestes chorégraphiques, qui serviront de support à l’écriture de textes, et aussi au choix des musiques. Les séances seront espacées pour un ré-investissement au sein de la classe de tout ce qui a été lancé comme piste de travail par les artistes. Il s’agit simplement de faire confiance, et d’instaurer une autonomie. Les enfants deviennent ainsi responsable de cette année, ils sont les acteurs principaux. Les instituteurs et eux devront inventer des proccédures de prolongation des interventions artistiques.

Un projet soutenu par:

La Fondation de France première année.

Le Conseil Régional d’Auvergne.

Communes de Marat, Fournols, Maringues, Mazayes, Chapdes-Beaufort et le Parc Livradois-Forez.

Présentation du projet
Créer un lieu de résidence culturelle permettant à des artistes, à des compagnies, de travailler en création, de répéter ou reprendre un spectacle, en trouvant les espaces et les conditions de travail nécessaires.
Le lieu doit être simple:  donc peu onéreux à la location et à l’entretien, pratique et fonctionnel : salles de répétition, espace de rencontre et de réunion, vestiaires, toilettes et douches, atelier pour réalisation de décors modestes, mini-cuisine pour sandwichs et réchauffer des plats.
Il requiert le silence de l’environnement, le calme.
Il nécessite un excellent éclairage naturel en journée et un éclairage de répétition de création.

Privilégier la danse contemporaine
Il n’existe pas de tel lieu en Auvergne. Le plus approchant et fonctionnel actuellement se situe en Haute-Loire à 25 kilomètres du Puy en direction de Saint-Etienne (sans être complètement adapté pour la danse contemporaine).
Les locaux des institutions de danse sont complets en occupation permanente ou inaccessibles aux compagnies pour raisons de sécurité, de gardiennage ou de fonctionnement. Les locaux associatifs ou de centres d’animation des collectivités territoriales sont inadéquats : absence de plancher ou plancher de bal inapproprié pour la danse contemporaine, chauffage insuffisant, absence de lumière naturelle, exiguïté des espaces.
La danse contemporaine nécessite en effet un plancher souple (assemblé à la main et non à la machine), flottant, sur des espaces carrés ou rectangulaires, sans poteaux ou avancées murales (sécurité des danseurs pendant les répétitions).

Une dynamique de développement territorial
La majorité des troupes de danse contemporaine de la région Auvergne ont leur siège social dans le grand Pays de Clermont et à Vichy (à l’exception de la Manufacture à Aurillac). Une implantation d’un lieu de création et répétition doit donc tenir compte de cette situation géographique tout en prenant en compte les nécessités environnementales.
La chaîne des dômes est un espace idéal, dans le Parc naturel des Volcans, proche de Clermont-Ferrand, réunissant les conditions de calme nécessaires au projet.
Un tel lieu s’inscrira dans un développement culturel dont nous connaissons aujourd’hui l’importance pour la qualité de vie des habitants, l’accueil de nouvelles populations, le développement de l’emploi de proximité.
Enfin un tel lieu sera original et exemplaire attirant obligatoirement des compagnies d’autres régions et promouvant ainsi la région Auvergne.

Une dynamique économique du projet
Une vingtaine de compagnies de danse contemporaine fonctionnement en 2010 et 2011 sur la région Auvergne auxquelles il convient d’ajouter un nombre indéterminé d’initiatives hip-hop, de pratiques des arts martiaux, de danse Buto, de danse contact. La viabilité économique du projet peut donc être optimiste, permettant par les locations de faire face aux charges de fonctionnement et d’entretien.
Géré par une association loi 1901, administré par une compagnie de danse contemporaine qui connaît donc les besoins et nécessités des artistes, avec une responsabilité de viabilité économique par la couverture des charges en locations, le projet s’inscrit dans l’économie sociale et solidaire.

Une dynamique économique territoriale
Les compagnies locatrices du lieu devront se loger et se nourrir durant les résidences. Le lieu ne souhaite pas s’inscrire à l’interne dans cette dynamique de services mais au contraire s’insérer dans une économie locale sur la commune de Saint-Genès-Champanelle et les communes attenantes de Aydat et Saint-Saturnin:
+ réseau de gîte, locations à des particuliers, hôtels ;
+ restaurants ;
+ commerces de proximité : alimentaires, produits des fermes, droguerie et artisanat pour les décors ;
+ kinésithérapeutes – masseurs.

Implantation du lieu
«  La grange à danser » se situe à Nadaillat – commune de Saint-Genès-Champanelle, classé « village remarquable » par le Parc Naturel des Volcans d’Auvergne, à 17 kilomètres de Clermont-Ferrand, en bordure de la chaîne des volcans des Dômes, 890 mètres d’altitude, sur le plateau de la Serre, dans un environnement protégé de pâturages et bois.
La commune de Saint-Genès-Champanelle est membre de la Communauté d’agglomération de Clermont-Ferrand.
Le village dispose d’un parking à l’entrée du village à côté du cimetière.
Le bâtiment ne jouxte aucune autre maison et ne pose donc pas de potentielles difficultés de voisinage.

La grange à danser
Le bâtiment est une grange située16 rue de la Fontaine à l’entrée du village, d’une superficie au sol de 108 m2 sur 3 niveaux :
+ un rez de chaussée permettant la création d’un premier studio de 108 m2, accessible aux personnes handicapées, équipée d’un plancher ;
+ un sous-sol (faisant rez-de-chaussée au sud du bâtiment vu sa situation sur une pente) permettant de créer un espace atelier, sanitaires/douches, un espace mini-cuisine ;
+ un étage permettant la création d’un deuxième studio de 108 m2 sous les toits, équipé d’un plancher ;
+ un bâti comprenant un escalier extérieur desservant l’ensemble des étages, permettant ainsi l’autonomie de chacun des studios, des toilettes à chaque étage, une douche à chaque étage de studio.
La hauteur du bâtiment autorise dans les deux salles de travail une hauteur suffisante pour les danseurs (sauts et portés).

Le bâtiment est entouré sur deux côtés d’un terrain de 250 m2. Le bâtiment ne jouxte aucune autre maison et ne pose donc pas de potentielles difficultés de voisinage.
Ce bâtiment est la propriété d’un administrateur bénévole de la compagnie Axotolt qui le met gratuitement à disposition dans l’attente de sa donation à un fonds de dotation « Grange à danser » en cours de création.
Il est actuellement en ruine (toit écroulé en octobre 2009). Il permet donc d’en redéfinir la fonction et les espaces. Il possède l’électricité et le tout à l’égout.

Gestion du lieu
Un fonds de dotation deviendra à terme propriétaire du lieu (donation) et réalisera la gestion matérielle : locations, entretien (fonction de propriétaire).
La dynamique et le suivi de gestion du lieu seront confiées à la compagnie de danse contemporaine Axotolt : règlement intérieur, planning d’occupation, relation aux compagnies, nettoyage quotidien (fonction de locataire).

Un esprit du lieu
C’est un lieu où deux équipes artistiques pourront travailler ensemble, se rencontrer, partager, se découvrir, faire connaissance.
Un espace définit comme lieu de travail, donc un simple espace pour mettre à l’oeuvre, inscrire des démarches.Un lieu de travail ouvert, une sorte de fenêtre sur le territoire, un espace où l’on pourra pousser la porte, un endroit de porosité, de rencontre. Un lieu envisagé comme une situation où pourra se produire de l’inattendu, donc de l’enchantement. Pourquoi ce besoin d’un lieu? Car il y en a peu qui soit dédié à la danse. Le besoin d’un lieu simple de travail, ouvert et non fini pour le laisser s’enrichir au fur et à mesure de son existence, pas un espace neuf, plus un endroit à combler: s’installer dans du pré-existant vide, le remplir, l’occuper, lui donner un autre sens. Un lieu pour agir, réagir, mettre en oeuvre, un lieu en mouvement, en discussion. Un lieu de rebondissement avec la commune. Un lieu d’action: Un espace où pour quelques temps poser son travail, déposer ses pensées, un lieu d’action pour danser et faire danser. Un lieu où agir prendra diverses formes celles connues, celles qui sont en germe qui demandent un espace de réalisation et les autres à découvrir.
Un lieu où il sera possible d’investir un espace de création sans souci de déranger, d’avoir à déménager tous les soirs, un espace où l’on pourra être à l’oeuvre et offrir une possibilité de regard aux gens  sur ce qui se trame.
Mais aussi un espace pour des ateliers parents-enfants, que la compagnie a initié il y a deux ans et qu’elle ne peut plus assurer faute d’un lieu. Pour nous ces moments sont importants et doivent pouvoir exister car il y a peu d’endroit où l’enfant et l’adulte peuvent vivre un faire ensemble. Un espace pour de la pratique adulte et amateur, elle aussi en friche faute de lieu, il est nécessaire d’ouvrir d’autres façons d’être un adulte engagé dans une pratique amateur, d’autres cadres. Un espace pour que des écoles, structures petite enfance puissent explorer de nouvelles formes d’apprentissage. Enfin un lieu de ressource pour tout le monde autour du corps et ses problématiques.

Projet soutenu par:

Le Conseil Régional d’Auvergne

Le FEADER